O filme conta a história de um grupo de jovens aspirantes a escritores, que se reúne para passar férias numa casa de campo. O ano é 1992 e juntos decidem se escrever cartas e enterra-las para serem abertas depois de dez anos. Nesta viagem, dois deles sofrem um acidente e um morre, deixando um livro pronto enquanto o outro ainda estava escrevendo seu primeiro romance.

Há alguns incômodos de roteiro e atuação; espera-se que o personagem de Caio Blat tome atitudes que não se concretizam, ficamos presos em cenas de suspense que se esvaziam com uma trilha sonora que se perde em ênfases gratuitas. Maria Ribeiro também deixa a desejar, como se estivesse sempre esperando seu momento – a impressão que nos passa é que ela não segue fluida, como Carolina Dieckmann. Esta surpreende juntamente com Paulo Vilhena nos dois momentos do filme, particularmente nas cenas de ‘2002’. Rodado quase todo em uma locação, participamos dos jogos de cena e das sequências de suspense e romances frustrados – ainda frágeis, mas boas tentativas – enriquecidas com uma trilha sonora oscilante, que ganha com Caetano Veloso, nostálgico e doce em Na asa do vento.

O drama é um diferencial nesse atual cinema brasileiro. O filme conseguiu sair da comédia escrachada televisiva e dos filmes violentos – mesmo com o carimbo Globo Filmes, o que pode ser uma abertura para novos olhares – vemos uma estrutura narrativa com cara de cinema, brasileiro, bem construído, com uma montagem que sustenta uma trama psicológica em que as ações estão mais concentradas em trocas de olhares, falas e silêncios. Ao mesmo tempo, a fotografia intensifica a tensão em planos fechados nos rostos dos atores, enquanto define o isolamento psicológico de cada personagem diante de uma paisagem explorada em planos abertos. Dirigido por Paulo Morelli – de Cidade dos Homens e Viva Voz – com co-direção de seu filho Pedro, esperamos que a partir deste possamos ver mais filmes ‘grandes’ menos televisivos em salas comerciais, que abordem temas e classes distintas das favelas e estereótipos do restante do país. O cinema brasileiro carrega uma gama considerável de bons filmes, mas por falta de recursos e apoio na distribuição, são vistos em festivais para tentar alcançar público e visibilidade e acabam em poucas semanas de circuito comercial. Com Entre Nós talvez ocorra diferente com o apelo dos atores, uma distribuição pesada e uma produção de qualidade. É esperar o público participar e perceber que podemos fazer filmes diferentes dos gêneros já estabelecidos no país.

Assim, quando Ron aparece na emergência do hospital e lhe passam o diagnóstico, sua surpresa e indignação surgem com uma explosão, como se o tivessem difamado, indicando uma possível homossexualidade. Não suficiente, recebe junto uma sentença de morte e também a recusa. Os tratamentos para Aids eram experimentais e ele – o anti-heroi do momento e eterno descrente das leis e do governo americano – burla quaisquer regulamentos para consegui-los.

Conforme li nas críticas, o filme saiu mais polêmico do que qualquer outra coisa. Era quase óbvio esperar uma resposta – ainda que não se tenha perguntado – da comunidade gay e transexual, dos outros Clubes de Compras ou dos conhecidos e familiares de Ron. Os filmes baseados em fatos reais costumam ser mal compreendidos, como se devessem àquela história um fundamento tão igual como aconteceu, quase como um relato documental. Enquanto um dos jornais dizia que Ron não era nada além de um homem comum, ordinário, que estava fazendo o que achava certo para sobreviver e ainda ganhar dinheiro com isso, outros diziam que era uma afronta à comunidade transexual colocar um ator não transexual, heterossexual para o papel – Jared Leto – que o executa muito bem, inclusive. Não suficiente, os próprios Clubes de Compras, se sentiram menosprezados, porque o filme só tratou de um, que nem era dos maiores, sequer o primeiro. De uma forma ou de outra, sempre haverá quem queira contar sua própria versão e o que não se percebe é que o que estamos vendo diante de nós é justamente isso – apenas uma versão.

O filme parte da descoberta da doença, à criação e crescimento do Clube de Compras. Funcionava como uma sociedade em que se paga um valor pela exportação dos medicamentos – também experimentais, muitos proibidos nos Estados Unidos, mas que tinham algum resultado em outros países – e recebia-se o medicamento mensalmente. Mais um viés importante do filme, o desconhecimento da dosagem do AZT, a citação sobre a indústria farmacêutica interferindo - ou seria 'contribuindo' - para as decisões do governo que, como no Brasil, é foco de controvérsia e corrupção dos grandes laboratórios e suas licenças. Ron estudou, buscou alternativas, viajou o mundo atrás de respostas para a nova e incurável síndrome, buscando alongar a vida de quem estava contaminado. Compreendendo que boa parte de seu público era homossexual, viu que além de precisar se adaptar, se permitiu conhecer e conviver. Assim, se tornou grande amigo de Rayon (Jared Leto) um homem cujo sonho impossível diante das circunstâncias era uma cirurgia de mudança de sexo.

O filme é centrado nestes dois personagens e é a forma como foram dirigidos e se entregaram aos papéis, que o torna especial. Saí do cinema bem até, diferente do que esperava, e fui conhecer mais a história do sujeito. O Ron do cinema ultrapassa seus limites em todas as esferas possíveis e sai de uma pessoa que odiaríamos para outra que faríamos questão de apertar as mãos. A grande questão está no depois. Descobri que o Ron da vida real provavelmente era, pelo menos, bissexual – segundo relato de seus amigos, de pessoas que conviveram com ele, de sua esposa. Esse ponto não invalida a qualidade do filme enquanto ficção, mas abre um leque enorme de questionamentos e aí sim, uma polêmica justificada em questões diversas: por que o tornaram homofóbico e heterossexual no filme? O fato dele ser gay ou bissexual reduziria seu público a uma categoria, transformaria seu gênero para filme gay? Essa foi uma estratégia industrial para ter público apenas ou para que o público que não veria esse filme caso o protagonista fosse gay tivesse acesso ao fundamento da história? Bom, levando em conta que estamos lidando com uma indústria, não dá pra pensar como Polyana e acreditar que Hollywood quer nos enviar uma mensagem. A ficção nos dá liberdade para fazemos o que quisermos com qualquer história e, por isso, os alertas de ‘baseado, inspirado, livremente inspirado em fatos reais’ existem. Ao mesmo tempo, é uma característica que altera completamente a história e talvez ela tivesse menos apelo e pipoca se excluíssemos a homofobia como ponto transformador no herói. De uma forma ou de outra, o filme ganha créditos por trazer uma história muito bem contada, com impacto na audiência por diferentes abordagens do tema em uma só produção, com atores em performances históricas e um lembrete para a turma mais nova sobre precaução. Imperdível.

Juliette não usa maquiagem em Camille, o filme todo se passa no sanatório e o máximo de liberdade que vemos está nas cenas de locações externas, nos passeios que ela faz no parque ao redor da construção. É tudo ermo, seco, dos mesmos tons. Um olhar superficial vai desistir, vai encontra-lo monótono, deprimente, mas é preciso um esforço maior para entender a agonia que ele nos provoca. Esse é o tipo de reação que fundamenta a arte e causa tanta polêmica em suas interpretações. Gaspar Noé e Claudio Assis, por exemplo, nos provocam pelo asco à violência, nos mostram tanta crueza em seus filmes que saímos enojados, passando mal. Basta lembrar Irreversível e Baixio das Bestas. Já David Lynch e Stanley Kubrick provocam com o mistério, o primeiro chegando perto do surrealismo, ou com a criação de um mundo particular onde o nosso surreal é real; e Kubrick pelo suspense inteligente, pois ainda que saibamos o que vem a seguir, há tanta tensão no virar da esquina que acabamos esperando mais – e ainda que nada aconteça, saímos satisfeitos.